Los instrumentos de cuerda pulsada o punteada son aquellos instrumentos de cuerda en los que la cuerda vibra tras ser pulsada o punteada por los dedos, produciendo el sonido. Además de los dedos, también se puede utilizar un plectro.
sábado, 17 de mayo de 2014
Ek tara
El ek tara es uno de los instrumentos de cuerda pulsada más simples que existen. Se utiliza sólo como acompañamiento, brindando apoyo detrás de una melodía. Ek tara significa literalmente una cuerda, la cual corre a lo largo de una caña de bambú que está a su vez fija a una calabaza.
Koto
Historia
Este instrumento ha sido utilizado ampliamente no solo en la
interpretación de la música tradicional, sino también en muchos géneros
contemporáneos.
Fue introducido desde China durante la era Nara (710-793). Una de las obras más conocidas es Rokudan no Shirabe. Rokudan fue compuesta por Yatsuhashi Kengyō. Otra pieza clásica muy conocida es Haru no umi (Mar de Primavera) de Michiyo Miyagui.
Tipos
Hay varios tipos de koto:
- Es un instrumento muy hueco.
- El más tradicional de 13 cuerdas.
- El jūshichigen (lit. «17 cuerdas»), inventado por el célebre músico Michio Miyagi (1894-1956);
- Kotos de 23 y 30 cuerdas desarrollados por una de las más famosas intérpretes contemporáneas, Keiko Nosaka;
- Hachijūgen (lit. «80 cuerdas») inventado por Michio Miyagi como un instrumento cromático que pudiera acoplarse a los requerimientos técnicos de los lenguajes musicales de tipo occidental. Este fue utilizado en tan solo una composición del maestro Miyagi. Desafortunadamente el único instrumento de este tipo fue destruido durante los bombardeos a Tokio, pero existe una copia de él en el Museo de Michio Miyagi (Miyagi Michio Kinenkan) en Tokio.
Técnica
Para pulsar el koto se utilizan tres uñas -tsume つめ- hechas de
bambú o marfil colocadas sobre los dedos pulgar, índice y medio de la
mano derecha. La forma de dichas uñas varía de acuerdo a la escuela de
interpretación: Yamada e Ikuta. La función más básica de la mano
izquierda es la de presionar las cuerdas durante la ejecución con el fin
de cambiar levemente la afinación y como es así hacer ornamentación
sobre algunos sonidos.
Pipa
La pipa (chino: 琵琶, pinyin: pípá) es un instrumento de cuerda pulsada tradicional chino parecido al laúd occidental. La pipa aparece citada por primera vez en textos que datan del siglo II a. C. Han derivado del mismo varios instrumentos tradicionales orientales, el más conocido de los cuales es la biwa japonesa, el vietnamita đàn tỳ bà y el coreano bipa, que ya no se utiliza, conservándose sólo algunos instrumentos en museos.
El nombre pipa está formado de las dos sílabas chinas "pí" (琵)
y "pá" (琶). Se refieren precisamente a las dos maneras más comunes de
tocar el instrumento: "pí" significa empujar con el dedo índice de la
mano derecha de derecha a izquierda y "pá" significa tirar con el pulgar
de la mano derecha de izquierda a derecha, en la dirección opuesta.
La "pipa" es un instrumento de cuatro cuerdas en las que la caja de resonancia
tiene forma de pera. Tiene un mástil corto y curvado que cuenta con
treinta trastes que cubren parte de la tapa armónica ofreciendo así una
gran extensión. Después de la dinastía Tang (618-907), la pipa mantuvo su popularidad como instrumento solista y como instrumento de conjunto musical. En aquel tiempo se tocaba con plectro, pero posteriormente se dejó de utilizar pasando a ser utilizadas las uñas de los dedos.
La técnica de ejecución exige una gran destreza que debe permitir la
producción de efectos virtuosos y de carácter descriptivo. Se combinan
los trémolos que se obtienen rozando con los cinco dedos, los pizzicatos, los juegos de armónicos, los ruidos, etc.
Biwa
La biwa (琵琶?) es un instrumento de música tradicional japonesa que puede describirse como un laúd de mástil corto con trastes y como una variante muy semejante del instrumento tradicional chino denominado pipa. La biwa es el instrumento escogido por Benzaiten, la diosa serpiente blanca de la religión sintoista.
Historia
La biwa llegó a Japón de China durante el periodo Nara (710-759 d. C.). Se conservan cinco instrumentos de esta época en el Shōsōin, la casa del tesoro nacional de Japón. Uno de ellos es un raro ejemplo de biwa gogen
(五玄琵琶) de cinco cuerdas, decorado con temas típicos de Asia Central,
incluyendo un camello. Este instrumento es seguramente único entre los
de su tipo en Asia. Intérpretes de biwa errantes, similares a los trovadores, eran conocidos como biwa hoshi (琵琶法師).
La interpretación de música con biwa casi llega a extinguirse durante el periodo Meiji,
a medida que la música y los instrumentos occidentales se
popularizaron. Se puede decir que se toca por el archipiélago japonés.
Tipos de biwa
Hay principalmente seis tipos de biwa, que se caracterizan por el número de cuerdas, los sonidos que pueden producir, el tipo de plectro y su utilización. Dado que la biwa no se toca en afinación temperada, los tonos se aproximan en lo posible a la nota más próxima.
Biwa clásica
- Biwa gagaku (雅楽琵琶) – Es una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes que se utiliza exclusivamente para el gagaku. Produce unos sonidos distintivos llamados Ichikotsuchō (壱越調) y Hyōjō (平調). Su plectro es pequeño y fino y está hecho de un material duro como la madera de boj o el marfil. No se usa para acompañar el canto. En el gagaku, se denomina gakubiwa (楽琵琶).
- Biwa mōsō (盲僧琵琶) – Es una biwa con cuatro cuerdas que se usa para tocar mantras y canciones budistas. Su plectro varía tanto en tamaño como en materiales. Los de cuatro trastes están afinados en MI, SI, MI y LA, los que tienen un quinto traste tienen las cuerdas afinadas en SI, mi, fa sostenido y fa sostenido y los que tienen seis trastes están afinados SI bemol, Mi bemol, Si bemol y si bemol.
Biwa de los periodos medio y Edo
- Biwa heike (平家琵琶), también denominada Hey-kioku – Es una biwa con cuatro cuerdas y cinco trastes que se utiliza para tocar la “El cuento de Heike” -un relato épico que narra las luchas entre los clanes Minamoto y Taira por el control del Japón de finales del siglo XII. Su plectro es algo mayor que los de biwa gagaku. Se afinan en LA, do, mi, la o en LA, do sostenido, mi y la.
- Biwa satsuma (薩摩琵琶) – Es una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes popularizada durante el periodo Edo en la provincia de Satsuma (actualmente Kagoshima) por Shimazu Nisshinsai. Su plectro es más ancho que el de los demás tipos de biwa. Según la creencia popular, esto se debe a su popularidad entre los samurái –el plectro se usaba también como arma (William P. Malm, Traditional Japanese Music and Musical Instruments).
Las notas están ajustadas a la voz del intérprete y su afinación es LA, MI, LA, SI. La más eminente intérprete de biwa satsuma del siglo XX fue Kinshi Tsuruta (1911-1995), quien desarrolló sus propia versión del instrumento, que ella denominó como biwa Tsuruta.
Ueda Junko, una de las mejores discípulas de Tsuruta, continúa
encarnando la tradición en la interpretación de este instrumento.
Biwas modernas
- Biwa chikuzen (筑前琵琶) – Se trata de una biwa de cuatro cuerdas y cuatro trastes o bien de cinco cuerdas y cinco trastes, que fue popularizada durante el periodo Meiji por Tachibana Satosada. Su plectro es algo más pequeño que el de la biwa satsuma. La afinación de la versión de cuatro cuerdas es SI, mi, fa sostenido y si, y la del instrumento de cinco cuerdas es mi, SI, mi, fa sostenido y si. Dos escuelas de biwa chikuzen son Asahikai and Tachibanakai. Es popularmente utilizada por las intérpretes femeninas de biwa.
- Biwa Nishiki (錦琵琶) – Es una biwa moderna de cinco cuerdas y cinco trastes popularizada por Suitō Kinjō'. Su plectro es el mismo que se usa con la biwa satsuma. Se afina en do, Sol, do, sol y sol.
Lira
La lira (del latín «lyra», y este del griego «λύρα») es un instrumento de cuerda punteada primitiva, con forma de ábaco, cuyo origen los griegos atribuyeron a Hermes o a la musa Polimnia. Fue el instrumento musical que tañó Orfeo y el que acompaña a Apolo como símbolo del Estado ciudadano, de la cultura y de la música.
La lira es un instrumento musical que, como el arpa, se tocaba con las dos manos.
Según la Biblia, en manos de David, el rey poeta y sabio, la lira (kinnor) evoca la unión con la divinidad y la religión. El rey David tocaba la lira para tranquilizar a Saúl.
Los instrumentos descendientes de la lira son la cítara, la guitarra y el laúd, que continúan la tradición de la lira hasta nuestros días como los instrumentos del poeta y el trovador. Dyehuty
es el dios de la sabiduría, la escritura, la música y de la Luna, en la
mitología egipcia. Estaba relacionado con la música como inventor de la
lira.
Historia
La lira más antigua y sencilla tenía tres cuerdas pero después pasó a
cuatro, cinco, seis, siete e incluso doce. En Egipto, llegó a tener
hasta dieciocho. Las partes de la lira, además de las cuerdas eran:
- la caja, que en un principio era confeccionada con caparazones de tortuga y después de madera.
- la tabla que cerraba la caja y que a menudo no era más que una simple piel seca distendida.
- los montantes adoptados a la caja.
- el yugo colocado a través de un montante al otro.
En Grecia, las tres cuerdas recibían los nombres de las tres musas de Delfos; de la grave a la aguda: Nete, Mese e Hípate. Las cuerdas pasaban sobre una concha de tortuga, llamada en griego cheloné y chelys, palabra que sirvió también para designar cierta especie de lira. La añadidura del mogas hacia la lira más pesada que la cítara y por esta razón la llevaban colgada a la espalda por medio de una correa o tahalí y de esto sacó Apuleyo el nombre de apta balteo, esto es, propia para ser colgada en las espaldas. Filóstrato describiendo la lira de Anfión dice que la madera empleada en la construcción de la lira era boj y lo demás era de cuernos de cabrón montés. Los dos brazos de la lira de Terpsícore
que hay en el Museo Napoleón están hechos de anillos. Esta lira
representa una de aquellas que están formadas de una concha de tortuga y
los brazos de astas de cabrón. La lira, que Aquiles tiene en la mano en la lámina 8ª del tomo 1.° de las pinturas de Herculano,
es de color encarnado, de lo que puede deducirse que pintaban la madera
de las liras de aquel color que era su favorito. Por un pasaje de los
fastos de Ovidio se demuestra que los Citaristas tenían el gusto de llevar un Chlamys o capa de color encarnado.
Los poetas han entendido por lira la más hermosa y más calma armonía
así es que hace un gran papel en sus poemas y hablan con entusiasmo del
placer que causa. Tenía la ventaja de poderse cantar y acompañarse con
ella y se servían de ella en los coros trágicos.
Al arte de tocar la lira se le llamaba citaristica o lirística, y al acto de tocaría se le daba los nombres de Lyrizein, Kytarizein y Psallein y a los tocadores los liristas y citaristas. El que cantaba y se acompañaba con la lira era conocido con el nombre de Lyrodos o de Citharaedus y los de Lyrodia y Citharaedia eran las palabras que designaban la acción de acompañarse de este modo. Algunas veces la lira y la flauta se acompañaban recíprocamente a lo que Suidas da el nombre de Synaulia o según el dialecto ático xynaulia con con cuya palabra se entendía el recíproco acompañamiento de dos flautas.
Largo sería el poner el catálogo de los músicos que han sido célebres
en este instrumento. La mitología señala como los más famosos a Apolo, Mercurio, Terpsícore, Orfeo, Lino, Anfión, Demódoco, etc. Todos los griegos aprendían la música y al principio o al fin de las comidas cantaban unas canciones llamadas escolias y principalmente las de Harmodio y Aristogitón.
Pasaba la lira de uno a otro y cada uno cantaba a su vez una estrofa
acompañándose con ella. Habiendo en una ocasión semejante pasado la lira
a manos de Temístocles, que no sabía tocarla, se le tuvo por falto de educación. La palabra amousikos u hombre que no sabe la música significaba un hombre sin gusto y sin educación o como se dice entre nosotros, un paleto.
En su obra intitulada Lira Barberina, Giovanni Battista Doni
hizo una colección de diferentes figuras de la lira. Le dio aquel
título por que daba en ella la explicación de una que hizo fabricar para
el cardenal Francesco Barberini
según el sistema de los antiguos tal como él lo concebía. El editor de
esta obra, después de la muerte de Doni, reunió en dos grandes tomos
todo cuanto había escrito éste sobre música.
Mitología
En la mitología griega la lira fue inventada por Hermes quien se la regaló a Apolo a cambio del caduceo y, desde entonces, figuró como atributo de este dios. En la mitología egipcia, el dios Dyehuty
estaba relacionado con la música y era considerado el inventor de la
lira. Se dice que su nombre proviene de la flor de lirio debido a su
forma tan similar.
lunes, 18 de noviembre de 2013
Citara
La cítara es un instrumento de cuerda perteneciente a la familia de los instrumentos de cuerda pulsada.
También se denomina así a un antiguo instrumento de cuerdas metálicas punteadas, afinadas de a pares (como el laúd) pero con la parte posterior plana como la guitarra; de hecho, el nombre guitarra proviene de cítara. Un nombre más antiguo es el italiano cítole, a pesar de que el poeta británico Dante Gabriel Rossetti en su poema "La Doncella Bienaventurada" infiere que son instrumentos diferentes. Otra designación inglesa como gittern aparentemente no se refiere a la cítara, sino que es un antiguo nombre inglés de la guitarra (u otro instrumento muy parecido).
Si la palabra aramea qath‧róhs está relacionada con la voz
griega ki‧thá‧ra (instrumento de cuerdas), de la que se deriva, entre
otras varias, la palabra española “cítara”, esta es una transliteración
que se aproxima a la expresión original. El qath‧róhs era uno de los instrumentos de la orquesta de Nabucodonosor. (Daniel 3:5, 7, 10, 15)
La cítara también es un instrumento de cuerda que se sostiene sobre
las rodillas, en una mesa y que se puntea. Algunas cuerdas pueden ser
pisadas (como en la guitarra actual) y otras tienen altura fija y son
usadas para acompañamiento. Es un instrumento folclórico de la Europa Central. El tema fílmico de El tercer hombre,
compuesto e interpretado por Anton Karas, es una de las composiciones
escritas originalmente para cítara más famosas de todos los tiempos. El
nombre de este instrumento no se debe confundir con el del sitâr, con un largo mástil y un número variable de cuerdas que pertenece a un grupo diferente, el de los laúdes.
Modernamente tiene forma trapezoidal y el número de sus cuerdas varía de 20 a 30 y se ejecuta con púa o plectro. Es de un tamaño superior al violín, aunque existen diversos tamaños. Como dato curioso cabe apuntar que este instrumento fue dado a conocer en Venezuela por distintos fabricantes, solo como instrumento de aprendizaje musical, recibiendo el nombre comercial de Arpa Viajera, término atribuido al músico y compositor venezolano Hugo Blanco quien la comercializó con ese nombre.
Yuri Landman ha creado la Moodswinger, una cítara eléctrica resonante de 12 cuerdas con un tercer puente.
Arpa
El arpa es un instrumento de cuerda pulsada
compuesto por un marco resonante y una serie variable de cuerdas
tensadas entre la sección inferior y la superior. Las cuerdas pueden ser
pulsadas con los dedos o con una púa o plectro. Además del arpa clásica, usada actualmente en las orquestas, existen otros tipos, como el arpa celta y el arpa paraguaya.Historia
Si bien existen instrumentos muy antiguos semejantes al arpa, debe tenerse en cuenta que la clasificación de Hornbostel y Sachs distingue entre los cordófonos tipo arpa (con un mástil que cierra el arco) y los tipo arco
(que no disponen de ese mástil). Así pues, varias de las primitivas
arpas que se describen en la historia del instrumento son literalmente,
arcol mundo, al igual que en distintas épocas. Pertenece al grupo de los
cordófonos. Se conocía ya en la antigua Asiria, en Israel y Egipto, de donde pasó a Grecia. aron el término griego ki‧thá‧ra para traducir la palabra kin‧nóhr más o menos la mitad de las cuarenta y dos veces que aparece en el texto hebreo. La ki‧thá‧ra era un instrumento parecido a la lira (en griego lý‧ra), pero con una tabla de resonancia más llana.
Fue un instrumento muy de moda durante la Edad Media, siendo abandonado durante el Renacimiento. Se recuperó en el siglo XVIII, cuando se le agregaron los pedales
Dos modelos
Se puede dividir el arpa europea en dos modelos:
- «Arpa medieval», (de origen irlandés), también conocida como arpa bárdica. No superior a los 75 cm de altura y de afinación diatónica, cuerdas metálicas, ornamentalmente rica en tallas, dibujos e incrustaciones de metal. En la actualidad aún se tienen dos ejemplos claros, uno es el arpa del rey Brian Boru (muerto en 1014) que se puede encontrar en el Museo de Dublín, y otra es el arpa de la reina Mary de escocia, en el Museo Nacional de Edimburgo.
- «Arpa celta» (de origen galés), puede tener hasta 105 cm de altura, 34 cuerdas y con la posibilidad de incorporar sistemas de semitonos.
Ambas tienen el pilar curvado y su caja de resonancia se ensanchaba en las cuerdas graves
Aparición del arpa de orquesta
El arpa medieval era diatónica, y el arpa moderna, por el contrario, nació con los primeros intentos de cromatismo que la evolución de la música occidental exigía. Los primeros intentos surgieron de los talleres de luthiers irlandeses en el siglo XVI, que proveyeron al arpa de una doble fila de cuerdas. En el siglo XVII
se incorpora una tercera fila, la 1ª la 3ª fila eran diatónicas
(29 cuerdas cada fila) mientras que la 2ª fila, con 20 cuerdas, estaba
reservada para los semitonos.
A mediados del XVII unos constructores tiroleses inventaron el arpa
de ganchos, con los cuales era posible estirar la cuerda y subirla un
semitono. En esta época fueron muchos los mecanismos incorporados para
subir el tono, pero todos accionados manualmente, por lo que debía
hacerse antes de empezar la interpretación.
A finales del siglo XVII, luthier
bávaro fabricó la primera arpa con pedales que situados a ambos lados
del soporte del instrumento, estaban unidos a los ganchos fijos de la
consola mediante un sistema de transmisión. Eran siete los pedales,
correspondientes a los siete grados de la escala musical y para cuyo
instrumento Mozart escribió su Concierto para flauta y arpa en 1778.
A raíz del descubrimiento se inspiraron numerosas ideas a cual más
estrafalarias para ampliar las posibilidades del arpa (como fue la
colocación de doble número de pedales y sordinas), pero el mayor éxito lo obtuvo S. Erard en 1811.
Erard presentó el modelo llamado de «doble acción» que, con ligeras
modificaciones posteriores, es la que se usa normalmente en la
actualidad.
Los pedales se hallan unidos a unos listones de acero
que se introducen en la columna, estos terminan en un mecanismo situado
en la consola que, a su vez, está formada por varias capas de sicomoro y
serbal. Dicho mecanismo, muy elaborado, lleva dos sistemas de
horquillas, discos provistos de tornillos ajustables entre los cuales
pasa la cuerda. Cuando un pedal –llamado de doble acción– se suelta
(posición de reposo en la muesca superior), la cuerda pasa libre entre
los tornillos (bemol); enganchado en la muesca intermedia, el pedal
imprime a los discos una revolución parcial que produce el 1ª semitono
(becuadro); enganchado en la muesca inferior, el pedal provoca la
continuación del movimiento, lo cual da lugar al 2ª semitono
(sostenido). Cada uno de los siete pedales actúa sobre todas las octavas
de una misma escala, pudiendo ser accionado dos veces, subiendo
sucesivamente un semitono en todas las notas de la misma tonalidad.
Ahora el número de cuerdas se eleva a 47 y son de clases diferentes. Hay 26 en el registro medio que son de tripa de carnero, 10 u 11 en el registro agudo que son de nylon, en tanto que las 12 restantes son de alpaca o cobre (entorchadas en acero) para el registro grave. La extensión es de 6 octavas y media (desde do1 (alterable mediante afinación manual) a sol#6): después del órgano y el piano, el arpa es el instrumento con la extensión más amplia.
El arpa moderna de orquesta incluye más de 1988 piezas y la presión
que ejercen las cuerdas sobre el instrumento es alrededor de
dos toneladas y media. Su construcción supone un costo elevado por lo
que son pocos los luthiers que se aventuran a fabricarla. En este
proceso se incluye la utilización de contrachapados de haya, arce o palisandro
―que son maderas que se curvan fácilmente al vapor― para la caja de
sonido que, a su vez, está reforzada en su interior por una moldura
triangular a veces metálica.
Tanto las sencillas arpas medievales, pasando por las elegantes
celtas y las muy estructuradas arpas de orquesta, invitan a su
constructor a armarse de imaginación e ingenio para solventar las
posibles dificultades que puedan cruzársele en el maravilloso sueño que
es la construcción de un arpa. Los mecanismos opcionales como los
sistemas de semitonos, clavijas y puentes se encuentran en el mercado a
disposición del comprador.
Este viaje litúrgico de la historia y arquitectura del arpa hace
diminuto honor a la importancia que se merece pero puede ayudar a quien
hasta ahora desconocía muchos datos de este bello instrumento. Puede que
su industrialización mengüe su calidad, pero hace más fácil que la
gente pueda adquirirla por un precio cómodo y asequible (sobre todo en
las arpas celtas).
Una variante de las arpas es la cromática que posee el doble
de cuerdas que una convencional (que son 47 para la de orquesta) y el
arpa mágica o colombina que posee 17 cuerdas.
Extensión del arpa representada en un teclado de piano.
El arpa en la música
El arpa se usa ampliamente en la música académica, normalmente para efectos como el glisando o los arpegios. En la ópera italiana y alemana se usa para arias románticas y bailes, como el «Vals de Musetta» en La bohème. Compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel compusieron conciertos para arpa y música de cámara que se siguen interpretando. Durante el siglo XIX, el compositor y arpista francés Nicolas Bochsa compuso cientos de piezas de todo tipo (transcripciones de ópera, música de cámara, conciertos, óperas, métodos para el arpa).
Los arpistas del siglo XX Henriette Renié y Marcel Grandjany
compusieron muchos solos y piezas de cámara que figuran en el
repertorio de arpa. Los compositores modernos utilizan el arpa con
frecuencia porque los pedales de un arpa de concierto permiten toda
clase de escalas y sonidos con efectos, aunque algunas piezas modernas requieren mucho uso del pedal.
Bandurria
La bandurria es un instrumento de cuerda pulsada y pertenece a la familia del laúd español, no del laúd del Norte de Europa.
La familia de este instrumento español es la familia del laúd
español-bandurrias. En esta familia aparecen cinco instrumentos
(bandurria soprano, bandurria contralto, bandurria tenor, bandurria bajo
y bandurria contrabajo). A la bandurria tenor también se le llama laúd,
pero realmente es un nombre popular. Se le llamaba nuevo laúd a principios del siglo XX porque sus formas y sonido quería recordar a aquel instrumento del Barroco,
pero realmente no pertenecen a la misma familia de instrumentos. La
bandurria tenor tiene una forma muy similar al laúd, pero con el mástil
más corto y el cuerpo más redondeado, aunque el fondo del instrumento,
como en la guitarra, es plano, al igual que el del laúd y a diferencia del laúd barroco, con el que no tiene parentesco, que está abombado.
Se toca con púa de concha o de cuerno, aunque en la actualidad se utilizan púas de PVC que tienen distintos grosores.
Las púas se trabajan para dejarlas con una forma próxima a un
triángulo equilátero; de este modo se pueden aprovechar las tres puntas,
pero teniendo siempre la misma sección de púa apoyada entre los dedos,
de esta manera no importa qué punta se utilice. A esta púa se le llama
plectro.
Tiene doce cuerdas (seis pares): seis de tripa y seis entorchadas,
aunque las bandurrias modernas suelen montar los dos primeros pares
metálicos y los cuatro últimos pares entorchados.
Su afinación más habitual, del primer al sexto par, es
la-mi-si-fa#-do#-sol#. La 6ª cuerda (sol#) se puede afinar en sol
natural, de manera que las posibilidades del repertorio aumentan
considerablemente, debido a que se pueden adaptar obras pertenecientes a
la mandolina.
Se usa en coros y en música popular. Es imprescindible en una tuna
universitaria y en orquestas de pulso y púa. A pesar de lo que se
piensa de forma generalizada, también se emplea para interpretar música
académica.
Actualmente este instrumento está despegando de la oscuridad y cada
día se ve que se está ganando un puesto entre los instrumentos
"tradicionales" gracias al trabajo de los profesionales que crean obras
para estos instrumentos o realizan estudios para facilitar el
aprendizaje del mismo.
Historia
La bandurria es una especie de guitarra. Una de las teorías
existentes sobre la bandurria data el origen de este instrumento en
torno al 400 d. C. Para éstos, la bandurria deriva de la pandura romana (que a su vez proviene del pan-tur sumerio).
También lo adaptaron a su vida cotidiana la civilización babilónica,
cuando entraron en contacto con los egipcios, que estos a su vez la
habían heredado de los romanos.
La pandura romana fue exportada por los romanos a todos los países del sur de Europa). Al producirse el contacto entre estos pueblos mediterráneos con la civilización árabe y bereber, la pandura se fusionó con el qupuz árabe y el carara bereber, dando lugar a los primeros pasos de la bandurria.
En Europa este instrumento sólo lo encontramos en España. En especial forma parte del folclore aragonés, castellano, murciano, extremeño, en partes de Andalucía, en Navarra, Valencia, Baleares y también de amplia difusión en Canarias.
Durante la colonización de América se difundió la bandurria por el Caribe
hasta el Perú; en este viaje fue objeto de muchas variantes, como el
laúd cubano o la bandola. También se implantó bajo influencia española
en las Filipinas.
La bandurria tenía al principio tres cuerdas, que pasaron a ser cinco dobles en el siglo XVIII. A estas diez cuerdas, a mediados de siglo, se le añadió una nueva cuerda doble, la más grave.
Durante el siglo XIX la bandurria varió su forma, dando origen a la bandurria actual, la que hoy por hoy conocemos.
Conservatorios en España y en Francia
- Conservatorio profesional de música de Campo de Criptana - Alcázar de San Juan. Profesores: Fernando Bustamante y Maryla Díaz.
- Conservatorio profesional de música "Arturo Soria" de Madrid. Profesores: Pedro Chamorro y Caridad Simón.
Balalaika
Balalaica o balalaika (en ruso: балалa´йка) es un instrumento musical ruso,quizás el más popular del país. Se trata de un laúd de tres cuerdas metálicas que se caracteriza por su caja de forma triangular, casi plano, con una pequeña abertura de resonancia cerca del vértice superior de la tapa y con un mástil largo y estrecho.
Las primeras balalaicas construidas en Rusia datan del año 1715, se
tiene conocimiento de que antes de esa fecha ya existían, tenían cuerdas
de tripa de animal y se ataban al cuello de modo que pudieran ser
ajustadas por el músico a voluntad.
Originalmente, se ejecutaba en solitario para acompañar canciones y bailes. Hoy son muy comunes en las orquestas que ejecutan arreglos modernos de motivos folclóricos.
Tipos de balalaica
Se construye en siete tamaños, desde el más alto de los tonos, al más bajo (desde el más pequeño "piccolo" al octabajo). Dos de las cuerdas de la balalaica se afinan al unísono y la tercera a una distancia de cuarta. Las tapas se construyen con madera de abeto o pino.
Se construyen además con seis cuerdas prima (con tres series de cursos de doble), son comunes y populares, sobre todo en Ucrania.
Tamaños
- Piccolo
- Prima
- Segundo
- Contralto
- Bajo
- Contrabajo
- Octabajo
viernes, 8 de noviembre de 2013
Guitarra
La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada,
compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el
diapasón o trastero ― generalmente con un agujero acústico en el centro
de la tapa (boca) ―, y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados
los trastes, que permiten las diferentes notas. Su nombre específico es guitarra clásica, guitarra española, guitarra criolla o guitarra acústica.
Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock, metal y flamenco, y bastante frecuente en cantautores. También es utilizada en géneros tales como el tango, rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.
Es parte fundamental de la orquesta de pulso y púa o rondalla, junto a la bandurria y el laúd español.
Instrumentos de la familia de la guitarra son el ukelele, el requinto, el charango y el guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.
Partes de la guitarra
La guitarra ha sufrido variaciones en su forma a lo largo de los
siglos. Además del número de cuerdas, las variaciones del instrumento
han surgido para adaptarlo a las necesidades del intérprete hasta
adoptar la forma actual. Este instrumento está fabricado con madera prácticamente en su totalidad y los tipos empleados principalmente en su fabricación son las de palo santo de la India y otros, abeto, cedro de Canadá, pino, ciprés y ébano, en función del tipo de guitarra (clásica o flamenca).
Básicamente, la guitarra está compuesta por la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón, los trastes, las cuerdas
y el clavijero. Algunas guitarras poseen más de un diapasón (hasta un
máximo conocido de 6 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.
Tras ser encolados
todos los elementos que forman la caja de resonancia, se une con el
mango y se incluyen refuerzos en el contorno de las dos tapas, en el
centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros.
Posteriormente se adhiere el diapasón. Entre el mástil y el clavijero se
coloca la cejilla que sirve para apoyar y separar las cuerdas. La
cejilla habitualmente es de marfil, hueso, plástico o incluso metálica, en función de la calidad del instrumento.
Una vez que todos los elementos que forman la guitarra han sido unidos, se procede a su barnizado.
Existen dos formas de llevar a cabo este proceso, una más costosa y
trabajosa que consiste en barnizar el instrumento a mano con goma laca; y la otra que es barnizar con una pistola a base de poliuretano
que seca rápidamente. El inconveniente de este último método es que el
barniz forma una placa sobre la caja de resonancia que le resta sonido al instrumento.
Posteriormente se realiza el aplanado del diapasón y la colocación de los trastes, los cuales suelen ser de alpaca o latón.
Es sumamente importante que el trasteado sea perfecto ya que de él
depende la afinación de la guitarra. Acto seguido, en la parte inferior
de la tapa armónica se colocan las clavijas y las cuerdas. Antiguamente
las cuerdas eran de tripa de animal pero en las guitarras modernas son de nylon.
Partes de la guitarra española o clásica:
1. Cabeza y clavijeros,
2. Cejilla,
3. Clavija,
4. Trastes,
7. Mástil,
8. Cuello,
9. Caja (clásica) o cuerpo (eléctrica),
12. Puente,
14. Fondo,
15. Tapa (armónica),
16. Aro,
17. Roseta y boca,
18. Cuerdas,
19. Selleta,
20. Diapasón.
Caja de resonancia
Mástil
El mástil está construido con madera de palosanto o cedro y está
formado por el clavijero, el mástil y la quilla o zoque. En las
guitarras modernas las clavijas están incluidas dentro de clavijeros
metálicos, a diferencia del método empleado guitarras anteriores que
consistía en insertar directamente las clavijas en la madera del
clavijero. El clavijero está situado en el extremo del diapasón. Los
clavijeros modernos tienen dos cortes verticales y están preparados para
recibir los huesos, que son las pequeñas piezas en las que las cuerdas
van enrolladas. Las clavijas metálicas quedan en la parte exterior del
clavijero y se emplean para afinar
el instrumento mediante la tensión que ejercen sobre las cuerdas. Su
tensión puede modificarse para la afinación mediante un sistema de
tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que implican pequeños
rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Estas pasan a
continuación por el puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos
que guían cada cuerda hacia el diapasón hasta llegar al clavijero. El
clavijero puede llamarse también pala o maquinaria; de este mecanismo depende la afinación de las cuerdas de la guitarra.La parte más larga del mango recibe el nombre de mástil y está cubierto con el diapasón, que es un trozo de madera, habitualmente de palosanto o ébano, sobre el que presionan los dedos las cuerdas de la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.
Historia
Origen
Los orígenes y evolución de la guitarra no están demasiado claros, ya que numerosos instrumentos similares eran utilizados en la antigüedad, por lo que es usual seguir la trayectoria de este instrumento a través de las representaciones pictóricas y escultóricas encontradas a lo largo de la historia. Existen evidencias arqueológicas en bajorrelieves encontrados en Alaça Hüyük (norte de la actual Turquía) de que en torno al año 1000 a. C. los hititas y asirios crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira (el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo) pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra. También se han encontrado representaciones en dibujos del antiguo Egipto que se asemejan a un instrumento similar a la guitarra.
Existen dos hipótesis acerca de sus orígenes. Una de ellas le da un origen greco-romano y afirma que es un descendiente de la fidícula y la otra considera que la guitarra es un instrumento introducido por los árabes durante la conquista musulmana de la península ibérica y que posteriormente evolucionó en España. Según la primera hipótesis, estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára o kettarah, que en castellano se terminó llamando cítara. Este hecho ha dado lugar a suponer que la guitarra deriva de la cítara griega y romana,
a las que se le habría añadido un mango al comienzo de nuestra era.
Muchos estudiosos y musicólogos atribuyen la llegada de la guitarra a
España por medio del imperio Romano en el año 400.La otra hipótesis sostiene que el primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino "laúd".
Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en
España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe
bajo dominación musulmana.En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitar (instrumento descendiente de la vina), palabra que proviene de dos palabras indoeuropeas que darían origen a la palabra española "guitarra": la raíz guīt (que produjo las palabras sánscritas guitá: ‘canción’ (como en el Bhagavad-guitá, la ‘canción del Señor’), o sangīt: ‘música’) y la raíz tar, que significa ‘cuerda’ o ‘acorde’.
Edad Media
En los siglos XI y XII pueden distinguirse dos tipos de "guitarres" o "guiternes". Por un lado la morisca o mandora, con forma ovalada de media pera y que se asemeja al laúd árabe y a la mandolina. Por otro lado la guitarra latina, una evolución de las antiguas cedras, cítolas y cítaras, de fondo plano, unida por aros con mango largo y cuyo clavijero era similar al del violín.
La primera de ellas concuerda con la hipótesis del origen oriental de
la guitarra, una especie de laúd asirio que se habría extendido por Persia y Arabia, hasta llegar a España durante la estancia árabe en la Península Ibérica.
La segunda, reforzaría la hipótesis del origen greco-latino del
instrumento. Ambos tipos están representados en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio de 1270 aunque una de las representaciones más antiguas que se conservan está en Europa Occidental en un Pasionario de la abadía de Zwiefalten del año 1180.En el siglo XIV, los poetas medievales franceses Guillaume de Machaut y Eustache Deschamps nombran en sus obras a la "guiterna" sin precisar el tipo.
La guitarra latina evolucionó hasta dar lugar a dos instrumentos diferentes: la vihuela, que estaba dotada de seis órdenes (cuerdas dobles) y que tuvo una amplia difusión entre la aristocracia y los trovadores y músicos profesionales; y la guitarra, de cuatro órdenes y de uso más popular.
Siglo XVI
En el siglo XVI comienzan a realizarse numerosas composiciones para guitarra. Esta gran producción tiene como centro a España.La primera obra para guitarra de cuatro órdenes aparece en la obra Tres libros de música en cifra para vihuela publicada en 1546 por Alonso Mudarra en Sevilla.
En esa época era habitual confundir los nombres de estos instrumentos y
fue a finales de siglo cuando comenzaron a diferenciarse. La guitarra
fue utilizada principalmente como instrumento de acompañamiento y
principalmente con la técnica del rasgueado.Siglo XVII
El tratado más antiguo sobre la guitarra española fue publicado en Barcelona en 1596 por Juan Carlos Amat con el título de Guitarra española de cinco órdenes...En 1606 Girolamo Montesardo publicó en Bolonia la primera gran obra para guitarra titulada Nuova inventione d'involatura per sonare Il balleti sopra la chitarra espagnuola y G. A. Colonna Intavolatura di chitarra alla spagnuola en 1620.Habitualmente se atribuye la inclusión de la quinta cuerda al músico y poeta andaluz Vicente Espinel. La atribución de esta invención la realizó Lope de Vega, pero fue refutada por Nicolao Doici de Velasco (1640) y por Gaspar Sanz (1684) en sus tratados sobre la guitarra española. Sustentan sus afirmaciones en el hecho de que once años antes del nacimiento de Espinel, Bermudo mencionó una guitarra de cinco órdenes. No obstante, aunque Espinel no fuera el inventor de la guitarra española de cinco órdenes, probablemente fue quien más se encargó de su difusión popular en todas las clases sociales de España.El Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas publicado en 1630 Doici de Velasco es el más antiguo conocido y en él afirma "En Francia, Italia y demás países, a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como el laúd, el arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que estos".
Otros autores contribuyeron de forma destacada a la literatura sobre la guitarra, como Luis de Briceño en 1626, Lucas Ruiz de Ribayaz y Francisco Guerau, entre otros. En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compuso su Instrucción de música sobre la guitarra española y método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza. Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes".
En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y lexicógrafo español, llegó a decir: "La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista".
Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de Francia) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los luthieres ibéricos la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Johan Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.
En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y lexicógrafo español, llegó a decir: "La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista".
Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de Francia) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los luthieres ibéricos la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Johan Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.
Siglos XVIII y XIX
niciado el siglo XVIII Jacob Otto agrega la sexta cuerda a la guitarra y se estandariza la afinación moderna, el cambio más significativo sufrido por este instrumento. A mediados de siglo, la historia de la guitarra moderna alcanza un gran apogeo con el español Francisco Tárrega, creador de la escuela moderna y autor del cambio en el uso del posicionamiento de las manos y la manera de pulsar las cuerdas.A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás. Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.
En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles
Agustín Caro, Manuel González, Antonio de Lorca, Manuel Gutiérrez y
otros constructores europeos incluyendo a René Lacote y al vienés Johann Stauffer
encontramos las características de los precursores más directos de la
guitarra clásica moderna. Johann Stauffer tiene una reputación
legendaria. En su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer intérprete de los conciertos del violinista genovés Niccolò Paganini.
Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil
ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que
todavía se usan en las guitarras modernas.Hacia 1850 empezó el trabajo de Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julián Arcas, ambos almerienses, y sus propias y brillantes intuiciones, Antonio Torres Jurado refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental. La tradición constructiva en Almería se ha mantenido hasta nuestros días con constructores como Gerundino Fernández García y Juan Miguel González.
Siglo XX
Tipos de guitarra
Hay dos tipos básicos de guitarra: la guitarra clásica y la guitarra flamenca, de tamaño ligeramente menor que la clásica, distintas maderas y otras variaciones que la hacen menos resonante pero más percusiva.
Una variedad de la guitarra clásica o española es la guitarra acústica, cuya diferencia principal es el material de sus cuerdas, que es el metal en lugar de la tripa o el nylon. Procede de Estados Unidos.
Suele ser de mayor tamaño y con el tiempo evolucionó para adoptar un
sistema alimentado por energía eléctrica (pastillas eléctricas), dando
lugar a la guitarra eléctrica.
Guitarra acústica
La guitarra acústica es un tipo de guitarra con cuerdas de nailon y alambre, pero también pueden estar hechas de metal, cuyo sonido se genera mediante la vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica de madera o algún acrílico. El adjetivo "acústica" es tomado directamente del inglés acoustic guitar por el uso que de dicho adjetivo hacen los anglófonos,
para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra
eléctrica. Es claramente redundante, pues la guitarra, por definición,
es un instrumento acústico. La guitarra acústica deriva de los diseños
de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres estadounidenses que desarrollaron su actividad principalmente a finales del siglo XIX. También son conocidas como western guitars (literalmente "guitarras del oeste"), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación eléctrica, solo por transducción de la fuerza mecánica.
Guitarra de flamenco
En España
existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, de la
que es difícil distinguirla a simple vista, conocida como guitarra de flamenco
o guitarra flamenca. Varía su sonido por una construcción ligeramente
distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca
tiene un sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y
generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón.La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra española de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la menor distancia de las cuerdas al diapasón, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón. Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella. Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el flamenco, afecten a la madera.
Guitarra italiana
La guitarra italiana (chitarra battente) es un tipo de guitarra
tradicional del sur de Italia (Calabria, Puglia, Basilicata, Abruzos,
Molise y Campania). Existe desde el siglo XIV y una de sus
caraterísticas distintivas es que tiene forma de ocho alargado.Guitarra eléctrica
Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos llamados pastillas que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay tres tipos fundamentales de guitarras eléctricas: las de cuerpo sólido, las de cuerpo semisólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en inventarse fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se incorporaba un micrófono para poderse escuchar en las bandas de jazz.
Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia,
de forma que el cuerpo es una pieza maciza (casi siempre de madera,
pero hay algunos casos de plástico o metálicos -sobre todo
experimentales) en el que van embutidas las pastillas. Las guitarras
eléctricas de cuerpo semisólido se caracterizan por tener, a veces,
agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de
resonancia de los violines
y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas, tienen un
bloque central para evitar los acoples. Algunas guitarras eléctricas
también cuentan con un sistema en el puente que genera un efecto de vibrato mediante una palanca. La guitarra eléctrica necesita siempre ser conectada a un amplificador
o a un sistema de amplificación, mediante un cable. Entre los
fabricantes reconocidos de este tipo de guitarras se encuentran marcas
como Gibson, B.C. Rich, Fender, Epiphone, Squier, Ibanez, PRS, Jackson, Parker, Cort, Yamaha, Dean, ESP, Schecter, entre otros.Guitarra electroacústica
Una guitarra electroacústica es una guitarra acústica a la que se le han añadido pastillas, micrófonos o transductores para amplificar su sonido. También son llamadas guitarras electrificadas, término que hemos de reputar sinónimo, y que resalta el hecho de que el sistema de previo puede haberse instalado en origen o por el propio usuario.
La electrificación de una guitarra de caja hace innecesario el uso del micrófono externo, ya que se conecta como una guitarra eléctrica a un amplificador. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del ingeniero de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es exactamente el mismo, ya que el micrófono que recoge el sonido se encuentra dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real de la guitarra.
La diferencia entre una guitarra electroacústica de cuerdas de metal y una guitarra eléctrica de caja (que son las que se usan habitualmente en el jazz) es sobre todo el tipo de transductor: en la primera se emplea un transductor piezoeléctrico, que da un sonido más cristalino, agudo y natural; en la guitarra eléctrica se incorporan transductores electromagnéticos, que dan un sonido distinto, más cargado de frecuencias medias.
Guitarra MIDI
Una técnica básica es la de utilizar un conversor monofónico de frecuencia de audio a MIDI tomando la señal de audio de la guitarra por medio de colocar un micrófono en la boca de la misma o por medio de su salida de audio. También se comercializan puentes más sofisticados que pueden detectar la vibración de cada cuerda por separado de tal forma de poder ejecutar acordes, es decir, que poseen polifonía de 6 voces o simultaneidad de disparo de notas.
Guitarras del Renacimiento y Barroco
Guitarra campesina (Viola Caipira)
Esta guitarra, común en el folclore brasileño, tiene un tamaño
inferior al de una guitarra española, aunque sus proporciones similares.
Consta de cinco órdenes de cuerdas metálicas que a diferencia de las
guitarras acústicas se pulsan con las uñas. Puede estar afinada de
numerosas formas siendo habituales las afinaciones abiertas.Guitarras rusas
Variaciones sobre la guitarra tradicional
Desde sus inicios la guitarra fue objeto de experimentaciones muy numerosas, y solo una parte de estos instrumentos son todavía utilizados hoy, hasta de manera marginal.
Las primeras guitarras tenían cuatro cuerdas como los instrumentos de los que procedía, luego se agregó una quinta y posteriormente una sexta (el bordón), que terminó siendo el modelo estándar de seis cuerdas.
Una de las variaciones más frecuentes es aumentar el número de cuerdas. Por ejemplo doblando su número, de 6 a 12; las seis acostumbradas, acopladas individualmente a su octava respectiva (salvo las dos más agudas, que quedan duplicadas al unísono). Además de la guitarra de 12 cuerdas, tiene relativa importancia la guitarra tenor, de 4 (usada entre otros por el guitarrista de jazz Tiny Grimes). Ciertos músicos clásicos como Narciso Yepes tocan una guitarra de diez cuerdas, independientes o duplicadas.
Nada tiene que ver con el asunto del diseño el hecho de que algunos intérpretes ajusten su instrumento a su forma de tocar, como los miembros del grupo de rock The Presidents of the United States of America, que utilizan una guitarra en la que tres de las seis cuerdas han sido retiradas, y un bajo de dos cuerdas. De la misma manera, Keith Richards (guitarrista de los Rolling Stones), a menudo retira la cuerda de mi grave de sus guitarras.
También se pueden citar:
- La guitarra fretless (sin trastes), cuyo mástil es completamente liso, sin trastes, con lo cual las notas se obtienen a manera de un violonchelo (la afinación no viene dada por el traste, sino que hay que “buscarla”). Son más comunes los bajos fretless.
- La guitarra barítona, que tiene 6 cuerdas pero un tiro más largo.
- Las guitarras para aprendizaje, de dimensiones reducidas (talla 1/2 o 3/4), para facilitar su ejecución por niños
- La guitarra con doble diapasón. Permite tocar con dos distintas afinaciones (de manera alternativa o incluso simultánea) durante la misma obra, sin tener que cambiar de guitarra. La mayoría de las guitarras dobles tienen una guitarra con doce cuerdas y la otra con seis cuerdas. Existen otras versiones como el instrumento de Mike Rutherford, bajista de Genesis, que es una guitarra de doce pegado a un bajo.
- La guitarra eléctrica sin clavijero, construida desde mediados de los años ochenta por la empresa Steinberger. El clavijero se encuentra en el puente de la guitarra, en lugar de estar en la cabeza.
- La guitarra slide o guitarra horizontal. Se usa casi siempre con el slide o tubo de metal o vidrio que cubre todo el dedo. Muy utilizada por David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd.
- La guitarra de 7 cuerdas. Además de las 6 cuerdas de la guitarra, se le incorporan una séptima cuerda, más grave. La nota de la séptima cuerda es un SI. Existen también guitarras de 8 cuerdas con la misma idea. incluso existen guitarras con otros instrumentos incorporados en el cuerpo de la guitarra como la guitarra Pikasso que posee 42 cuerdas (de Pat Metheny).
- La Foldaxe, guitarra plegable inventada por Roger Field para Chet Atkins para viajar (en el libro "Me and My Guitars" por Chet Atkins).
- La dinarra, una guitarra dinámica microtonal.
- La guitarra arpa (harp guitar), guitarra con un clavijero añadido de 5 cuerdas más para hacer los bajos, y también otra entrada a la caja de resonancia que, a la cual también se le hace un agregado en forma de brazo ondulado.
- La guitarra sintetizador (guitar synth), que resulta ser una guitarra con un sintetizador incorporado.
Afinación
Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba ―desde las más agudas a las más graves― con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación, como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos:- La cuerda mi (la primera cuerda, afinada en el mi4)7
- La cuerda si (la segunda cuerda, afinada en el si3).
- La cuerda sol (la tercera cuerda, afinada en el sol3).
- La cuerda re (la cuarta cuerda, afinada en el re3).
- La cuerda la (la quinta cuerda, afinada en el la2).
- La cuerda mi (la sexta cuerda, afinada en el mi2).
En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos (o sea un tono) la sexta cuerda ―desde el mi2 al re2―.
En las partituras las cuerdas se nombran con el número de la cuerda alrededor de una circunferencia.
A las tres cuerdas más graves ―la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última― se les llama “bordones”, debido a que “bordonear” es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.
También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: fa4, do4, sol♯3, re♯3, la♯2, y fa2.
La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo (afinado normalmente una octava grave: sol2, re2, la1 y mi1).
Tabla que muestra el temple clásico mi, si, sol, re, la, mi por cuerda y en cada uno de los 12 primeros trastes:
| Cuerda | 1° traste | 2° traste | 3° traste | 4° traste | 5° traste | 6° traste | 7° traste | 8° traste | 9° traste | 10° traste | 11° traste | 12° traste |
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| I - Mi | Fa | Fa# | Sol | Sol# | La | La# | Si | Do | Do# | Re | Re# | Mi |
| II - Si | Do | Do# | Re | Re# | Mi | Fa | Fa# | Sol | Sol# | La | La# | Si |
| III - Sol | Sol# | La | La# | Si | Do | Do# | Re | Re# | Mi | Fa | Fa# | Sol |
| IV - Re | Re# | Mi | Fa | Fa# | Sol | Sol# | La | La# | Si | Do | Do# | Re |
| V - La | La# | Si | Do | Do# | Re | Re# | Mi | Fa | Fa# | Sol | Sol# | La |
| VI - Mi | Fa | Fa# | Sol | Sol# | La | La# | Si | Do | Do# | Re | Re# | Mi |
Método básico de afinación para guitarras de 6 cuerdas
El método clásico para afinar una guitarra es de oído. Para ello hay que seguir una serie de reglas.- Se ajusta una cuerda, preferiblemente la 5.ª, a nuestro gusto o con alguna referencia si se va a tocar acompañado (Se suele ajustar a los 110 Hz).
- Ahora, la 6.ª cuerda pisada en el 5.º traste suena igual que la 5.ª cuerda tocada "al aire".
- La 5.ª cuerda en el 5.º traste suena igual que la 4.ª cuerda tocada "al aire".
- La 4.ª cuerda en el 5.º traste suena igual que la 3.ª cuerda tocada "al aire".
- La 3.ª cuerda en el 4.º traste suena igual que la 2.ª cuerda tocada "al aire". Es importante recordar esta diferencia.
- La 2.ª cuerda en el 5.º traste suena igual que la 1.ª cuerda tocada "al aire".
Cuando se han afinado todas la cuerdas conviene repasarlas, a ser posible con un método distinto.
Posibles referencias para afinar
La guitarra también puede ser afinada con respecto a:- Un diapasón, o silbato (herramientas acústicas que ofrecen un la para orientar al afinador).
- Un afinador electrónico o programa informático.
- Otros instrumentos
- El sonido de señal de línea telefónico (también la).
Corte en la caja para notas agudas
La forma de las guitarras no siempre es simétrica. Las guitarras eléctricas
y algunas acústicas y clásicas suelen presentar una especie de curva
para facilitar el acceso a los trastes más cercanos a la boca, para
llegar hasta las notas más agudas. Este corte en la caja se suele llamar
cutaway. Dependiendo de si el guitarrista es diestro o zurdo, la guitarra se construirá con el cutaway ubicado a uno u otro lado de la caja armónica.
Ejecución
La guitarra se toca apoyando la caja armónica sobre el regazo, con el mástil o diapasón hacia la izquierda. Esto hace que las cuerdas más graves queden arriba y las más agudas abajo.
Para tocar la guitarra se apoyan los dedos de la mano izquierda (la derecha para los zurdos) sobre las cuerdas, oprimiéndolas contra el diapasón entre los trastes justo después del que delimitará el segmento de cuerda que vibra, de manera que quede libre la longitud correspondiente a la nota musical deseada.
Una vez que se ha fijado de esta manera la longitud de todas las cuerdas o de las cuerdas que se desea pulsar, la mano derecha las rasguea, puntea o arpegia, generando una melodía si toca un sonido por vez, un acorde si se ejecutan dos sonidos o más, o una armonía si se arpegia ese acorde.
En la guitarra eléctrica se suelen utilizar diversas técnicas principalmente en el rock. Entre ellas se encuentran el tapping (popularizado por Eddie Van Halen), el sweep picking (Yngwie J. Malmsteen, Jason Becker), el palm mute, etc.
Guitarras y zurdos
Guitarra normal
Así como la velocidad y fuerza para ejecutar algunos instrumentos (como la flauta) varían muy poco en función de la lateralidad del intérprete, otros como la guitarra y el piano realizan con cada mano una tarea bastante diferente.
El piano se puede considerar un instrumento para diestros
(ya que generalmente la mano que trabaja con más velocidad es la mano
derecha ―más desarrollada en un diestro―), de manera similar, la
guitarra se puede considerar un instrumento para zurdos
(ya que generalmente la mano que tiene que hacer más fuerza y
posiciones difíciles es la izquierda ―más desarrollada en un zurdo―,
mientras que la mano derecha realiza rasgueos o punteos más bien
repetitivos).Sobre este tema hay posiciones encontradas sin que nunca se llegue a un acuerdo respecto a la ventaja o desventaja de cambiar la manera común de tocar con el mástil de la guitarra a la izquierda.
Por otro lado, debido a la poca disponibilidad en el mercado de guitarras adaptadas para zurdos, que se acentúa en las tiendas pequeñas, la mayoría de guitarristas zurdos que aprenden a tocar la guitarra lo hacen como diestro (es decir, poniendo la guitarra con el mástil del lado de la mano izquierda).
De acuerdo con esto, casi todos los guitarristas zurdos tocan la guitarra como un diestro (o sea, poniendo la guitarra con el mástil cerca del lado de la mano izquierda). Por supuesto, el público no se da cuenta de que el instrumentista es zurdo (excepto a la hora de firmar autógrafos).
Algunos ejemplos de guitarristas zurdos que tocan “al derecho” con guitarras normales:
- Juanjo Domínguez (n. 1951), folclorista y tanguero argentino.
- Noel Gallagher (n. 1967), guitarrista principal de la banda británica de rock Oasis.
- Charly García (n. 1951), teclista y guitarrista argentino de rock.
- Mark Knopfler (n. 1949), guitarrista de la banda británica de rock Dire Straits.
- Gary Moore (1952-2011).
- Gustavo Cerati (n. 1959).
- Janick Gers (n. 1957), guitarrista de la banda británica de heavy metal Iron Maiden.
- Kurt Cobain (1967-1994), líder, compositor, vocalista y guitarrista de la banda estadounidense de grunge Nirvana.
Guitarra girada con las cuerdas invertidas
Son muchos los guitarristas zurdos que tocan con la guitarra girada, con el mástil del lado de la mano derecha, invirtiendo también el orden de las cuerdas, para que las bordonas queden sobre las agudas,En el caso de que el guitarrista quiera usar una guitarra con cutaway (hueco en la caja que permite tocar mejor las notas más agudas), la construcción del instrumento suele ser especial para zurdos, con los controles, las salidas, el clavijero y los recortes y acomodos de la forma de la guitarra hechos como una imagen especular de una guitarra común. Estos guitarristas no suelen poder tocar con las guitarras comunes.
- Paul McCartney (1942-), bajista y compositor de The Beatles
- Atahualpa Yupanqui (1908-1992), cantautor folclórico argentino.
- Kurt Cobain (1967-1994)
- Jimi Hendrix (1942-1970)
- Tony Iommi (1948-), guitarrista y fundador de la banda de Heavy Metal Black Sabbath
- Zacky Vengeance (1981-), guitarrista rítmico de la banda de Heavy Metal Avenged Sevenfold
Guitarra girada con las cuerdas sin invertir
Existe una tercera opción, aunque son pocos los guitarristas zurdos que ―tocando con la guitarra al revés (con el mástil hacia la derecha)― mantienen las cuerdas tal como se ubican en el orden normal de la guitarra, aunque las cuerdas graves queden debajo de las agudas. Esto implica aprender nuevas posiciones de dedos para poner los mismos acordes y tocar invirtiendo el gesto del rasgueo y el punteo: en vez de hacerlo normalmente hacia abajo, lo hacen hacia arriba. Estos guitarristas pueden tocar con guitarras comunes.Un buen ejemplo de este tipo de guitarristas es Albert King guitarrista de Blues y Jazz
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